Dès les début de l’animation, le studio Ghibli est allé enregistré des sons d’ambiance en Europe dés octobre 2003, pour ainsi reconstituer un 19ème siècle totalement imaginaire mais pour le moins fidèle à la réalité de l’époque. Le réalisateur Hayao Miyazaki, a souhaité retrouver dans son film des sons authentiques & clairs, dans le fond étrangers à l’Asie, enregistrant donc des bruits de pas, de calèches tirées par des chevaux, le son des routes pavées et des anciens bolides, l’ambiance des ports, cafés et rues françaises. Ces sons purs contrasteront avec l’agressivité des sons des machines de guerre.Toujours aux commandes de la musique, son partenaire musical de toujours Joe Hisaishi a écrit des mélodies rendant parfaitement l’atmosphère onirique présente dans le livre. L’expérience fut très riche pour le compositeur, ses inspirations musicales se sont évidemment faites par le biais du réalisateur Miyazaki, mais également par celui de la romancière Diana Wynne Jones. Pour le Château Ambulant, ce dernier lui a demandé comme particularité de créer un thème et ses variations pour le personnage de Sophie qui évolue au cours de l’histoire, passant de 18 ans à 90 ans, le film a besoin d’une chanson pour le personnage qui insiste sur l’idée qu’elle, ne change pas. La difficulté de son  travail reposait sur les variations du thème. Musique parfois comique, d’autres fois romantique, Hisaishi la décline tout au long du film.

Le compositeur, lors de la présentation finale, par souci d’authenticité  & d’humanité a preféré jouer le morceau au piano devant l’équipe  ghibli. L’anecdote raconte que trop concentré, il aurait eu le trac et se serait trompé plusieurs fois. Malgré tout Miyazaki et Suzuki furent impressionnés et gardèrent la chanson que l’on entend maintenant dans le film.

La partition de Joe Hisaishi emprunte beaucoup de sonorités à sa bande-originale précédente (Chihiro) et aux compositeurs européens. Très symphonique, elle évoque les compositions de John Williams, les éblouissantes envolées orchestrales transportent les spectateurs dans un tourbillon d’images musicales, aux arrangements extremement doux & mélancoliques . Certains airs d’accordéon certes stéréotypés évoquent la musique française que les japonais identifient à la France. Si l’on en juge la variété de des compositions par rapport à d’autres oeuvres, nous avons quand même moins de variations dans les mélodies. La valse, thème principal du film est juste déclinée tout au long du film. La bande-originale en dépit de sa puissance lyrique semble plus effacée, plus en retrait qu’à l’accoutumée,  pas un seul thème inoubliable ne se dégage véritablement de l’ensemble, elle accompagne le rythme du film et renforce son appartenance Européenne.

Peu décrit dans le roman, l’interprétation de Miyazaki rappelle les créations de Jean Tinguely, sculpteur suisse du XXème siècle ou même encore les sculptures compressées de l’artiste César. Le moteur animé par la petite flamme Calcifer permet de le mettre en mouvement.
Jean Tinguely renforçait l’animation de ses assemblages grâce à la musique, l’eau ou même la peinture et y ajoutait des mâchoires ou crânes d’animaux donnant à ses œuvres un aspect d’autant plus menaçant.

A sa façon, Miyazaki cherche à animer son château, il doit manifester un caractère à la fois sympathique, attachant mais surtout effrayer les hommes.
Les graphistes concrétiseront cette ambition technique complexe en mélangeant le 2D et le 3D non pas cette fois-ci pour un personnage animé, contrairement aux habitudes mais pour un objet de décor et s’inspireront du travail d’animation effectué sur l’oomu dans le film Nausicaä. Ils pourront ainsi ajouteront à la machine des déformations & transmutations tout en l’animant de l’avant à l’arrière. Afin de concevoir au mieux cette machine ambulante, ils dessineront tout d’abord une ébauche suivie d’un dessin plus précis colorisé par la suite, une fois scanné, le dessin sera ensuite découpé en plusieurs petits morceaux (adobe photoshop), plus les morceaux seront petits, plus le mouvement & la texture seront précises. Les graphistes élargiront ensuite les contours des morceaux afin de les superposer les uns sur les autres masquant ainsi les jonctions entre les fragments. Le logiciel Softimage assemblera les parties sur un polygone de base, tout en veillant à leur ordre de superposition. Le monstre ainsi se construit & prend vie.
Tel un sac de randonneur sur lequel sont accrochés un grand nombre d’ustensiles, le château s’anime faisant bouger l’ensemble des morceaux qui s’accumulent autour de la charpente principale avec un léger décalage. L’ensemble du bâtiment asymétrique s’agite, les pièces de métal s’entrechoquent les unes aux autres de façon assourdissante le tout orchestré par les ronflements de la vapeur qui se dégage de la gueule de la machine.

Cet enchevêtrement de métaux rouillés finalement très bien colmatés effraie dès le début du film dans ces paysages champêtres obscurs, la bête s’agite dans les ténèbres qui peu à peu se dissipent. Le spectateur découvre alors une nature bucolique, lumineusse & douce, mettant en valeur montagnes & vallées, contrastant davantage avec le caractère industriel & pollueur de la machine. Peu à peu, Sophie arrive à apprivoiser l’animal, à l’aimer dans sa laideur, le tout symbolisé par cette image du linge suspendu tout autour de la machine lors du grand ménage. La bête se repose, s’adoucit, sa gueule ne crache plus de fumée (cf images).

Enfin ne manquait plus dés sa conception dans l’apparence du château que la création des pattes. le mystère restait entier, comment faire avancer la bête, les pattes d’oiseau ont été retenues, donnant ainsi plus de légèreté à la machine. dans un premier temps au nombre de six puis de quatre, deux ont été retenues contrastant davantage avec la masse supérieure de la machine et renforçant son aspect volatile. Ce que montre la fin du film puisque l’animal s’est métamorphosé en être volant, le château est devenu une véritable maison familiale où la nature y a repris ses droits. Ces dernières images rappellent d’ailleurs étrangement celles de Laputa, le château dans le ciel.

A la fois monstre technique, oiseau mécanique, château de fer et d’acier, cet être/objet montre qu’avec des matière recyclées, l’œuvre exceptionnelle prend forme. L’industrie & les techniques s’appivoisent elles aussi, elles peuvent montrer bien des surprises . Tels les artistes cités auparavant, les déchets humains délaissées peuvent grâce à la magie d’Hauru ou même celle des hommes incarnée sous les traits de Sophie, recréer une forme nouvelle & retrouver une fonction comme tente de le montre Miyazaki, fabuliste écolo.